Cronaca di un’epoca
A cura di Maria Cristina Torrisi
Il diciannovesimo secolo non è stato solo il secolo del vapore e delle ferrovie, ma il campo di battaglia su cui è nata l’idea dell’artista come lo intendiamo oggi: un individuo solitario, spesso incompreso, in perenne lotta tra il bisogno di pane e l’anelito alla libertà assoluta.
Per secoli, l’artista era stato un protetto. Papi, re e principi garantivano vitto, alloggio e commissioni.
Con la caduta dell’Antico Regime, questa rete di protezione svanisce. L’artista dell’Ottocento si ritrova improvvisamente “libero”, ma è una libertà vertiginosa: deve vendere le proprie opere a una nuova classe sociale, la borghesia, che spesso non capisce le novità e cerca solo decorazioni rassicuranti per i propri salotti.
Nasce così la figura del mercant’arte.
L’artista non bussa più ai palazzi nobiliari, ma spera che una vetrina in Rue Laffitte a Parigi o una galleria a Milano esponga i suoi lavori.
L’inizio della vita di un artista era quasi sempre un atto di sottomissione alla istituzione. L’Accademia decideva cosa fosse “Arte” e cosa fosse solo “scarabocchio”. Si passavano anni a disegnare frammenti di statue marmoree. La gerarchia dei generi era ferrea: al vertice la pittura storica e mitologica (grande formato, temi nobili), alla base la natura morta e il paesaggio.
Una volta all’anno (o ogni due), l’Accademia organizzava una mostra colossale. Migliaia di quadri venivano appesi dal pavimento fino al soffitto. Essere ammessi significava esistere; essere “bocciati” dalla giuria significava spesso la morte professionale.
Mentre l’arte ufficiale celebrava imperatori e battaglie, nei quartieri popolari come Montmartre a Parigi o nei vicoli di Firenze, nasceva la Bohème. È qui che troviamo il prototipo dell’artista maledetto.
La giornata tipo era scandita da una povertà dignitosa: spesso l’unico pasto caldo era un caffè accompagnato da discussioni feroci su nuove tecniche pittoriche.
Nell’atelier si trovavano stanze gelide d’inverno e torride d’estate. La modella era spesso l’amante o una ragazza del quartiere che posava in cambio di un pasto.
Non si può capire la vita dell’artista ottocentesco senza guardare nella sua borsa. Prima del 1840, dipingere all’aperto era un incubo logistico. I pigmenti andavano preparati al momento, mescolando polveri e oli.
L’invenzione del tubetto di stagno richiudibile cambia tutto. L’artista diventa nomade. Può prendere il treno, scendere in una prateria o su una scogliera, e catturare la luce che cambia in pochi minuti. Senza questa piccola invenzione industriale, l’Impressionismo non sarebbe mai esistito.
Verso la fine del secolo, la figura del pittore subisce un’ultima trasformazione. Con artisti come Van Gogh o Gauguin, l’arte smette di essere la rappresentazione del mondo esterno per diventare la proiezione di quello interno.
L’artista non è più un artigiano specializzato, ma un profeta, un filosofo visivo che usa il colore non per descrivere un prato, ma per gridare la propria solitudine o la propria gioia.
Vivere da artista nell’Ottocento significava trovarsi al centro di un uragano. Da un lato il passato glorioso delle accademie, dall’altro il futuro incerto del mercato moderno. Chi sceglieva questa strada sapeva di rischiare tutto: la stabilità economica, la salute e spesso la salute mentale. Ma è proprio da questa tensione che è nata l’arte moderna, figlia del coraggio di chi ha preferito dipingere “come vedeva” anziché “come gli veniva ordinato”.
Social Profiles